El arte de no llamar la atención

Jasper Morrison lleva cuarenta años diseñando objetos que parecen no haber sido diseñados nunca. La nueva Pack Chair para HAY, presentada en junio en Copenhague, vuelve a confirmar que su mayor logro es la discreción.

Hay una paradoja que persigue a Jasper Morrison desde que empezó a publicar su trabajo a finales de los años ochenta: cuanto menos parece haber intervenido en un objeto, más se nota su mano. No es un truco retórico. Es, literalmente, el método. Morrison pertenece a esa rara estirpe de diseñadores cuya firma consiste en borrarla, en hacer que una silla, una lámpara o una tetera dé la sensación de haber existido siempre, de no necesitar autoría.

El pasado junio, en el marco de 3daysofdesign en Copenhague, HAY presentó la Pack Chair, su nueva colaboración con Morrison. La pieza llega envuelta en una lógica que su propio nombre anticipa: cuatro patas, un asiento, un respaldo y una llave Allen, todo empaquetado y listo para que el usuario la monte en casa. Es, una vez más, el mismo Morrison de siempre, el autor de piezas que, a primera vista, podrían pasar por anónimas, como señalaba hace unos días Nicola Aprile en Domus. Y ahí está, otra vez, la palabra que mejor resume su proyecto entero: anonimato, no como ausencia sino como decisión.

La Pack Chair no nace de la nada. Recuerda a su Trattoria Chair y se presenta como una versión optimizada, pensada para desmontarse y volver a montarse por completo. Las dos carcasas, asiento y respaldo, están hechas de un 80% de polipropileno reciclado postconsumo, reforzado con fibras de madera que aportan a la superficie una textura y una sensación natural, en diálogo con las patas de roble macizo. Rolf Hay, cofundador y director creativo de la marca, cuenta que la idea nació casi por casualidad, durante una visita al estudio de Morrison en Londres, al ver una pequeña maqueta sobre la mesa. El objetivo era claro: crear una de las sillas más accesibles de toda la producción de Morrison, sin ceder en calidad ni en rigor formal. Sin artificios, sin efectos de luz, sin nada que distraiga de lo que la pieza es.

La normalidad como proyecto

Para entender por qué esto importa, hay que volver veinte años atrás, a una galería de Tokio. En 2006, Morrison y el diseñador japonés Naoto Fukasawa comisariaron una exposición que reunía más de doscientos objetos cotidianos, muchos sin autor conocido, bajo un término que acabarían convirtiendo en manifiesto: Super Normal. La premisa, tan simple como incómoda para buena parte del mundo del diseño, era que el diseño contemporáneo se había alejado de su función original. El mundo del diseño se ha apartado de la normalidad, ha olvidado sus raíces y la idea básica de que los diseñadores debemos cuidar el entorno construido por el ser humano e intentar mejorarlo, explicaba Morrison entonces. Super Normal aspiraba a tender un puente entre ambos mundos.

Lo interesante del concepto, y lo que lo distingue de un simple minimalismo, es que no se trata de una estética sino de una relación. Un objeto se vuelve Super Normal con el uso, decía Morrison; no se puede planificar del todo. La belleza no está en la primera mirada sino en la convivencia prolongada, en ese momento impreciso en que un objeto deja de notarse porque ha encajado perfectamente en la vida de quien lo usa. Fukasawa lo resumía con una observación incómoda para cualquier diseñador con ego: los diseñadores generalmente no piensan en diseñar lo «ordinario»; si acaso, viven con miedo de que digan que sus diseños no tienen nada especial.

Morrison ha construido sobre esa idea toda una carrera y sus hitos son conocidos por cualquiera que haya seguido el diseño europeo de las últimas tres décadas. Está la Thinking Man’s Chair, de 1986, una silla de estructura metálica con reposabrazos curvos que ya anunciaba, casi en sus inicios, la tensión que definiría su trabajo: una pieza escultórica que, sin embargo, no busca llamar la atención sobre sí misma, sino invitar al cuerpo a relajarse. Está la Glo-Ball para Flos, esa esfera de vidrio opal que difunde una luz uniforme y se ha convertido, sin estridencias, en parte del paisaje doméstico de medio mundo. Y está la Hal Lounge Chair & Ottoman para Vitra, donde la sobriedad de líneas y la calidad de los materiales se traducen en una pieza que no necesita levantar la voz para imponerse como icono del confort contemporáneo.

A ese mismo impulso responde, este año, una colección que se sale del catálogo habitual de sillas e iluminación: Outdoor Market by Jasper Morrison Shop, presentada por HAY a principios de primavera en el MoMA Design Store de Nueva York. Son más de treinta piezas pensadas para la vida al aire libre, desde bolsas de picnic y paños de cocina hasta tumbonas plegables, toldos y hamacas, y nacen casi por accidente de una pequeña barbacoa de acero inoxidable que Morrison ya fabricaba en tiradas cortas en su propia tienda de Londres. A partir de ahí, HAY y Morrison construyeron un catálogo entero con la misma lógica de siempre: objetos sin artificio, en madera de haya ligera y acero, vestidos con un tejido de rayas que Morrison encontró en un mercadillo, inspirado en estampados tradicionales vascos. Mette y Rolf Hay, fundadores de la marca, lo resumen sin rodeos: para ellos Morrison es el maestro de los objetos cotidianos, capaz de hacer que lo ordinario parezca esencial. La colección confirma algo que ya intuíamos en sus sillas: que el «super normal» no es un estilo doméstico; es una manera de mirar cualquier objeto, incluso el que se monta en una tienda de campaña.

Lo que la silla Pack Chair confirma

Volviendo a Copenhague: lo que hace que la Pack Chair encaje con tanta naturalidad en este recorrido no es solo la silueta, que efectivamente remite a la Trattoria Chair, sino la decisión de fondo. Entregar la silla desmontada, dejar que sea el usuario quien la construya y, llegado el momento, quien la repare sustituyendo piezas sueltas, es una forma muy concreta de devolverle al objeto su condición de herramienta. No hay gesto autoral en el embalaje plano. Hay, en todo caso, una ética del mantenimiento: una silla pensada para durar, para ser reparada antes que sustituida, para acompañar sin imponerse.

Ese gesto también conecta con algo que Copenhague entiende mejor que casi ninguna otra ciudad de diseño. Las piezas de la línea Palissade, la serie más reconocible del catálogo de HAY, aparecen por todas partes en la capital danesa, en terrazas, oficinas, plazas, sin que nadie repare especialmente en ellas. Es exactamente el efecto que Morrison y Fukasawa describían en su manifiesto de 2006: el objeto que se funde tan bien con su entorno que deja de leerse como diseño y empieza a leerse, simplemente, como mobiliario de la vida.

Hay algo casi conmovedor en sostener una postura así durante cuarenta años, en un sector que premia sistemáticamente lo contrario: la pieza que sorprende, la silueta que se reconoce a tres metros de distancia, el objeto pensado para la foto antes que para la mano. Morrison ha hecho carrera nadando a contracorriente. Tal vez ahí esté la lección más incómoda de su trabajo, la que la Pack Chair vuelve a poner sobre la mesa: que el diseño más difícil de lograr no es el que se nota, sino el que, con el tiempo, deja de notarse.

El diseño según Carlo Mollino: velocidad, anatomía y deseo

Carlo Mollino nunca diseñó muebles como quien diseña muebles. Los diseñaba como quien imagina un cuerpo en movimiento. Quizás por eso siguen resultando extraños hoy. Sensuales. Difíciles de clasificar. Mientras gran parte del diseño italiano del siglo XX perseguía la lógica industrial, la repetición o la pureza racionalista, Mollino parecía estar ocupado en otra cosa: construir un universo propio donde la arquitectura, la velocidad, el esquí, la aviación, el surrealismo y la anatomía convivían bajo las mismas reglas.

Durante la pasada Milan Design Week, Zanotta anunció la adquisición de los derechos exclusivos para producir treinta diseños de Carlo Mollino, además de miles de dibujos, fotografías y documentos originales pertenecientes a su archivo profesional. Una noticia que, más allá del gesto empresarial, habla de algo mucho más interesante: el regreso definitivo de Mollino al centro de la conversación contemporánea sobre diseño.

Porque durante décadas, Mollino ocupó un lugar extraño dentro de la historia moderna. Demasiado artístico para la industria. Demasiado barroco para el racionalismo. Demasiado inclasificable para convertirse en un diseñador “fácil”. Sus piezas no se concebían pensando en la producción en serie, sino en el objeto único, casi como extensiones teatrales del cuerpo humano. Y precisamente ahí reside gran parte de su magnetismo actual.

La pieza elegida para inaugurar esta nueva etapa es la mesa Vertebra, diseñada en 1950 y producida hasta ahora únicamente en dos ejemplares. Basta con verla para entender por qué sigue fascinando más de setenta años después. Su estructura ósea, casi vertebral, parece sostenerse por la tensión propia de un cuerpo en movimiento. No hay geometría fría ni voluntad de neutralidad. Hay músculos, equilibrio, velocidad. Hay algo profundamente físico en ella.

Mollino entendía el mobiliario como una prolongación anatómica. Y no es casualidad. Además de arquitecto y diseñador, fue piloto, esquiador, fotógrafo y un obsesivo estudioso del movimiento. Sus muebles parecen estar preparados para activarse ante la presencia humana. Como si el cuerpo terminara de completarlos.

En un momento donde gran parte del diseño contemporáneo parece haber vuelto a interesarse por las formas orgánicas, las piezas escultóricas y cierta emocionalidad material, el universo de Mollino resulta sorprendentemente vigente. Lo interesante es que nunca fue realmente contemporáneo de nadie. Mientras el modernismo perseguía la estandarización, él trabajaba desde el exceso controlado, desde una sofisticación casi cinematográfica. Sus interiores estaban llenos de cortinas, reflejos, curvas y tensiones visuales. Más cercanos a una escena de teatro que a la idea moderna de la casa-máquina.

Quizás lo más fascinante de Carlo Mollino no sean únicamente sus muebles, sino el personaje que construyó alrededor de ellos. Un arquitecto incapaz de permanecer en una sola disciplina. Piloto acrobático, esquiador profesional, fotógrafo obsesionado con la puesta en escena, diseñador de interiores, amante de la velocidad y del artificio. Mollino entendía la creación como un territorio donde todas las disciplinas podían contaminarse entre sí. Y esa mirada total es precisamente lo que hace que su trabajo siga resultando tan contemporáneo. Frente a un diseño cada vez más optimizado, neutral y previsible, sus piezas continúan defendiendo algo mucho más difícil de encontrar: personalidad.

Salir fuera

En algún momento aceptamos que la vida sucedía delante de una pantalla. Ocho horas de trabajo, dos de scroll, una de serie. Y así, casi sin darnos cuenta, dejamos de mirarnos a la cara. Pero hay algo en el cambio de estación que resiste: la necesidad física, casi primitiva, de salir fuera. Que te dé el aire en la cara, mojarte los pies, volver a sentir el peso del cuerpo en una silla que no sea la del escritorio.

Jasper Morrison x HAY

Ahí es donde el diseño, cuando es inteligente, deja de ser objeto para convertirse en mediador. Jasper Morrison lleva décadas defendiendo lo que él mismo llamó lo “super normal”: esa idea de que los objetos no necesitan gritar para ser imprescindibles. Y en su colaboración con HAY, esa filosofía encuentra un nuevo escenario: el exterior.

Outdoor Market no es tanto una colección como una declaración de intenciones. No hay heroicidades formales ni gestos grandilocuentes. Hay, en cambio, sillas plegables de madera ligera, textiles de rayas casi náuticas, de inspiración mediterránea y pirinaca, utensilios de acero inoxidable, hamacas y barbacoas que parecen peces. Objetos pensados para usarse. Para desaparecer en el paisaje mientras nosotros reaparecemos en él.

Porque quizá de eso va todo esto: de recuperar una cierta idea de presencia. Ver a los amigos sin filtros, escuchar las conversaciones sin notificaciones de fondo, compartir una comida que no necesita ser fotografiada. El buen tiempo no solo invita a salir, exige estar cómodo fuera como lo estamos dentro. Y ahí Morrison acierta al entender que el confort no es un lujo, sino una condición para que lo cotidiano suceda.

Lo interesante es que ni Morrison ni HAY parecen especialmente interesados en el “outdoor” como categoría aspiracional. Más bien lo entienden como una extensión natural de la vida doméstica: un picnic en el parque, un balcón en la ciudad, una escapada improvisada. Diseñar para eso implica aceptar ciertas limitaciones, como la ligereza, la portabilidad o la resistencia, y convertirlas en virtudes.

En el fondo, la colección funciona como una invitación discreta pero insistente: cierra el portátil, sal ahí fuera.

Y si la tentación necesita un pequeño empujón, siempre se puede pasar por el showroom de en linea barcelona, donde la colección está disponible. ¡Te esperamos!

En Barcelona, el nombre de Antoni Gaudí es uno de esos casos en los que arquitectura, identidad urbana y cultura visual se entrelazan hasta volverse inseparables. Su obra, inscrita en el imaginario del modernisme catalán, no solo definió la silueta de la ciudad, sino también una manera particular de entender la relación entre arte, naturaleza y vida cotidiana.

En ese contexto, resulta especialmente revelador el trabajo que desde hace décadas realiza BD Barcelona recuperando y editando el mobiliario diseñado por Gaudí. Lejos de ser simples reediciones históricas, estas piezas permiten comprender algo fundamental del pensamiento del arquitecto: para él, la arquitectura no terminaba en los muros. Continuaba en los objetos.

Gaudí diseñó muebles para algunos de sus edificios más emblemáticos, entre ellos Casa Calvet y Casa Batlló. Realizados originalmente en roble macizo barnizado, estos muebles eran prolongaciones orgánicas de la arquitectura. Las patas de las sillas se retuercen como ramas, los respaldos siguen la curvatura del cuerpo y las superficies parecen erosionadas por el uso antes incluso de ser utilizadas. En ellos late la misma lógica formal que atraviesa toda su obra: una arquitectura que observa la naturaleza para aprender de su estructura.

BD Barcelona: editar el diseño

La importancia de estas piezas reside también en su posición dentro del modernisme. Si el movimiento buscaba integrar las artes aplicadas en la arquitectura, desde el hierro forjado hasta la cerámica, Gaudí llevó esa ambición a un extremo casi radical: diseñar el espacio total. El edificio se concebía como un organismo completo, en el que cada elemento debía responder a una misma gramática formal.

Cuando BD Barcelona comenzó a reeditar estos muebles en 1975, lo hizo con una intuición que hoy resulta evidente: el diseño moderno también necesitaba preservar sus propios clásicos. La empresa, nacida en plena efervescencia cultural barcelonesa, se propuso desde el principio un objetivo poco habitual en la industria del mueble: editar diseño con la misma lógica con la que una editorial publica libros o un museo conserva obras de arte.

En ese sentido, recuperar el mobiliario de Gaudí fue casi un gesto programático. BD entendió antes que nadie que aquellos objetos dispersos, olvidados o conservados únicamente en museos formaban parte de una historia del diseño que merecía ser reactivada. No se trataba de reinterpretarlos, sino de reproducirlos con el máximo rigor posible, utilizando roble macizo, procesos manuales y técnicas cercanas a las originales.

Habitar el modernisme

Gracias a ese trabajo editorial, hoy ocurre algo curioso: no hace falta vivir en una casa diseñada por Gaudí para convivir con su imaginario. BD Barcelona lo hace posible. Piezas como la butaca Calvet, concebida originalmente para las oficinas de la Casa Calvet; el sinuoso banco Batlló o la silla Batlló —recientemente reinterpretada en una edición especial junto al estudio de arquitectura Casa Valle— permiten que la lógica orgánica del arquitecto entre en espacios contemporáneos. Son objetos que, incluso aislados de su arquitectura original, conservan una intensidad escultórica sorprendente.

Ese diálogo entre patrimonio y contemporaneidad también puede experimentarse en espacios dedicados al diseño de la ciudad, como en el showroom de en linea barcelona, donde conviven piezas históricas con ediciones actuales.

En la historia más reciente del diseño contemporáneo, pocos objetos han logrado condensar un cambio de paradigma como lo hizo Groundpiece. Concebido en 2001 por Antonio Citterio para Flexform, este sofá que nació para cuestionar las lógicas heredadas del habitar, sin pretenderlo, se convirtió en una pieza bisagra de la cultura del interiorismo del siglo XXI.

Lo verdaderamente revolucionario no fue su aspecto. Fue que Groundpiece asumió que la vida ya no ocurría en torno a la mesa del comedor ni en la rígida coreografía del salón tradicional. El sofá, históricamente sumiso y arrimado a la pared, reclamaba ahora la centralidad física y simbólica. Citterio observó esa transformación silenciosa y la convirtió en forma: una estructura baja, amplia, casi geológica, que invitaba a una domesticidad más laxa, más honesta con los ritmos reales de la vida cotidiana.

Un ensayo tridimensional sobre el habitar

Sus proporciones, más profundas y generosas que las de un sofá común, casi topográficas, eran más un gesto cultural que un ejercicio estilístico. Era la evidencia de que el hogar había dejado de ser un escenario para convertirse en un ecosistema. Comer, trabajar, leer, divagar, conversar o desaparecer unos minutos del mundo: todas estas microacciones encontraban su lugar en Groundpiece. Y para reafirmar esa vocación híbrida, el diseñador incorporó unas piezas que desdibujaban la frontera entre mueble y arquitectura: los famosos módulos de apoyo revestidos en cuero, inspirados libremente en la lógica minimalista de Donald Judd, más cercanos a un statement museográfico que a un reposabrazos convencional.

Esa dimensión casi curatorial encierra el motivo por el que Groundpiece sigue vigente 25 años después. También lo hace gracias a su capacidad de adaptación, gracias a su modularidad caleidoscópica, que articula, como pocos diseños, con infinidad de módulos. Citterio observó antes que nadie que el hogar se haría flexible, que el salón devendría plaza pública íntima, que la vida contemporánea exigiría superficies horizontales cómodas y polivalentes.

Hoy, en un mercado saturado de sistemas modulares que replican su gramática, Groundpiece permanece como una rareza lúcida: un mueble que no buscó ser icónico pero lo fue porque supo leer el tiempo. Un sofá que, más que un sofá, es un ensayo tridimensional sobre cómo vivimos. Un clásico que no envejece porque, sencillamente, sigue entendiendo mejor que nosotros mismos qué significa habitar.

Un creador que pensaba en color

Su relación con la arquitectura comenzó en 1947, en la Real Academia de Arte de Copenhague, donde ya mostraba una sensibilidad extraordinaria por el color. Con la llegada del Pop Art a Europa, esa intuición se convirtió en una declaración de principios. Mientras otros pintaban lienzos, Panton buscaba que el público pudiera vivir el color: tocarlo, habitarlo, dejar que definiera la atmósfera.

En esos años también emergieron sus primeras luminarias, como la Topan (1959): una esfera pura, esencial, que condensaba su visión en un gesto mínimo. Poco después llegó la icónica Flowerpot (1968), con sus dos semicírculos enfrentados, una lámpara que se convirtió en símbolo de una generación que quería romper con lo establecido. Ambas piezas demostraron que para Panton la luz no era solo función: era emoción, ritmo y escenografía.

Tras colaborar con Arne Jacobsen, y participar en la creación de la Ant Chair, Panton recorrió Europa en una furgoneta Volkswagen. Aquel viaje fue una investigación móvil. De ahí nació su estudio en 1955, en el que lo experimental dejó de ser una intención para convertirse en método.

La Panton Chair: diseño como gesto

Entre todos sus proyectos, ninguno encarna mejor su visión que la Panton Chair. Tras años de insistencia técnica y conceptual, en 1967 logró materializarla con Vitra: una curva continua, futurista y audaz que rompía cualquier noción tradicional de mobiliario. “Provocar que la gente use su imaginación” era, según él, la misión del diseño.

La silla evolucionó a lo largo de los materiales y las décadas hasta convertirse en parte del canon, presente en museos como el MoMA.

Un legado que sigue iluminando

Panton no diseñaba objetos: diseñaba experiencias totales. En su centenario, celebramos esa audacia que, todavía hoy, nos invita a imaginar futuros posibles.

Pipistrello, concebida en 1965 para el showroom de Olivetti en París, pertenece a ese linaje de objetos que no envejecen porque nunca han obedecido del todo a su tiempo. Su tripartita verticalidad, compuesta por base, fuste telescópico, difusor, sigue un orden silencioso que sostiene la libertad formal. La lámpara no se limita a iluminar; Pipistrello habita el espacio, lo interpreta, marca un ritmo. Su doble identidad, mesa o pie según la altura, anticipa una flexibilidad que hoy damos por descontada, pero que en los años sesenta rozaba la audacia tecnológica.

Aulenti la concibió como un organismo más que como un dispositivo: geometrías equilibradas, volúmenes que parecen respirar, un difusor de metacrilato que evoca al murciélago del que toma su nombre. En el paisaje teatral del showroom de Olivetti, Pipistrello actuaba más que funcionaba: establecía contrapuntos, guiaba la mirada, aportaba una presencia casi animista.

Su producción no fue sencilla: el vástago telescópico exigía precisión; el moldeado del difusor parecía una quimera. Pero esa dificultad se integró en su ADN: cada pieza era inédita. Por eso hoy sigue pareciendo moderna sin necesidad de actualizaciones.

En su 60 aniversario, Pipistrello reafirma su rareza coherente. No es modernista ni posmoderna; es, simplemente, Aulenti. Una lámpara que ilumina el espacio. Puede que el secreto de su éxito esté ahí: en mostrarnos que ciertos objetos están diseñados para redefinir el mundo. 

En ese equilibrio entre función y emoción, las estanterías son testigos silenciosos de quiénes somos. Nos acompañan mientras nuestra vida cambia, cuando reducimos, ampliamos o simplemente transformamos lo que somos, y, como los buenos diseños, deberían ser capaces de evolucionar con nosotros.

Entre las piezas que han redefinido este arte de contener, Rombe de &Tradition surge como una declaración de inteligencia. Diseñada por Industrial Facility, combina la precisión de los sistemas técnicos con la calidez de las líneas domésticas. Su estructura de acero con forma de rombo, de ahí su nombre, flota sin tocar la pared, integrándose con la arquitectura sin invadirla. Un gesto simple y poético: la estantería como estructura que respira.

En el universo más industrial y funcional, HAY propone Woody, un clásico revisitado que conserva el espíritu de su diseño original. Su sencillez casi arquitectónica, combinada con nuevos acabados en cristal o acero lacado, le otorga una elegancia sin pretensiones. Es una pieza que no exige protagonismo, pero que, inevitablemente, lo adquiere.

Desde Barcelona, BD invita a mirar el almacenamiento desde la experimentación formal. Rasters, la colaboración entre Muller Van Severen y OFFICE KGDVS, convierte la geometría en emoción. Madera de haya, acero lacado y conectores negros configuran un sistema modular que puede expandirse o transformarse. Pensada para el hogar o el estudio, su estructura es casi un dibujo tridimensional que habita el espacio.

Y si hablamos de iconos, pocos objetos representan mejor la modularidad moderna que USM Haller. Creado por el arquitecto suizo Fritz Haller en los años sesenta, este sistema trascendió su propósito inicial, amueblar oficinas, para convertirse en una pieza eterna de diseño doméstico. Sus configuraciones infinitas, su durabilidad impecable y sus recientes incorporaciones tecnológicas (iluminación integrada, carga oculta, módulos para plantas) lo convierten en una pieza viva, en constante evolución.

Por último, DePadova continúa esa narrativa de perfección discreta con su sistema SaintPaul, que reinterpreta la herencia del modelo Wigmore. Sus estantes de aluminio anodizado y sus combinaciones de cristal o madera permiten crear un paisaje de orden refinado, donde cada material tiene su propio tono, su propia respiración.

Al final, una estantería revela lo que valoramos, lo que hemos leído, los objetos que nos acompañan… Son los altares cotidianos de nuestra biografía. Y, cuando están bien diseñadas, no solo ordenan nuestra casa: también ordenan nuestro pensamiento.

Lista de deseo de un coleccionista de diseño

Una composición de iconos contemporáneos y gestos atemporales. 

· Relojes de George Nelson, que transforman el paso del tiempo en arquitectura cinética. 
· Perchero Hang it All de Ray Eames, donde la racionalidad del diseño se funde con la espontaneidad cromática.
· Colour Frame de Julie Richoz, espejos que interpretan el reflejo como ejercicio pictórico. 
· Jarrones Découpage de Ronan & Erwan Bouroullec, esculturas domésticas que reafirman la noción del objeto como extensión de la forma artística.

Cinco luminarias que redefinen el concepto de calidez.

· Cestita Alubat de Miguel Milá para Santa & Cole, equilibrio perfecto entre tradición y materialidad industrial. 
· Dipping Light de Jordi Canudas para Marset, donde la luz se convierte en color y el color en atmósfera. 
· Parentesi de Achille Castiglioni & Pio Manzù, ingenio suspendido entre suelo y techo que sigue siendo un manifiesto de diseño radical. 
· Lámpara de sobremesa Dalù de Vico Magistretti, escultura lumínica de pureza geométrica. 
· Lámpara Montera de Jaime Hayon, teatral y sofisticada, reinterpretando la artesanía mediterránea desde la ironía contemporánea.

Piezas que han hecho historia y que esta Navidad harán hogar. 

· House Bird y Eames Elephant de Charles & Ray Eames, símbolos de optimismo moderno. 
· Stool 60 de Alvar Aalto, paradigma de la belleza funcional. 
· Jarrón Ikebana Vase de Jaime Hayon, delicado homenaje al equilibrio natural. 
· Lámpara Panthella Portátil de Verner Panton, un clásico democratizado sin perder su aura. 
· Taburete Binaria de BD Barcelona, una pieza funcional a la par que escultórica. 
· Mayday de Konstantin Grcic, luminaria utilitaria que redefine la estética de lo cotidiano.

Más que una lista de deseos, esta es una invitación a regalar con intención. A elegir piezas que hablen de quien las da y de quien las recibe. Te esperamos en nuestro showroom de en linea barcelona para descubrir, tocar y preparar los regalos de esa persona que ama el diseño tanto como tú.